Timón de Atenas Festival de Mérida.

Intentaré en esta ocasión ser breve. Entre otras cosas porque, aunque luego me enredo con ideas que me vienen a la cabeza según estoy hablando o escribiendo, me arrepiento después. No soy conciso y es mucho curro cuando hay mucho texto. Porque la concisión, el arte de resumir en dos palabras lo que se dice en veinte, es todo un reto. Supone corregir el texto más de una vez, precisamente para conseguir esa brevedad, con lo cual lo que no se va suspiros se va amores.
Pero, ¡qué estoy diciendo! ¡Si no estoy siendo conciso a fuerza de explicarme!

TIMÓN DE ATENAS

Timón de Atenas es la primera obra que he visto en el marco del teatro romano esta temporada 2026. Una obra hecha con profesionalidad, con ingenio, con ganas y con amor. Todo eso junto hace que la obra alcance gotas de excelencia impresionantes. pero ¿en que se nota dicha excelencia?

LA PUESTA EN ESCENA DE TIMÓN DE ATENAS

La puesta en escena es abstracta y minimalista. El atrezo acumulado de forma caótica en apariencia, con unos trastos una sobre otros, como si estuviéramos en un desván y a su lado la estatua gigante de la Diosa Fortuna. Aquel «trastero» representa la casa del rico Timón de Atenas y sufre a lo largo de la obra una serie de mutaciones que ofrecen al respetable distintas perspectivas en cada cuadro. Dicho atrezo y estatua se cubren de paños negros y, desde ese momento, se convierten en una montaña donde vive el misántropo. El aspecto del escenario cambia, pero no por completo porque hay una unidad estética entre ambos planteamientos visuales.

SIMETRÍAS EN TIMÓN DE ATENAS.

Otra cuestión importante son las simetrías. Una simetría que afecta a lo argumental y otra simetría que afecta al planteamiento escénico.

SIMETRÍA ARGUMENTAL.

La obra comienza desde el final. Nos explica que Timón ha muerto pobre y misántropo, retirado a las montañas. A continuación vemos qué pasó dos años antes, cuando Timón era rico y generoso. Timón cae en desgracia, se arruina y se retira como pobre amargado a las montañas. Finalmente muere.
Así vemos cómo:
1: Timón muere, lo que ocupa un 10 % de la obra.
2.- Flash back, Timón es rico: 40%.
3.- Timón empobrece: 40%
4.- La obra termina (10 %) con volviendo al inicio, con lo cual se cierra el círculo en ese 5% último de la muerte de Timón bajo la lluvia, enlazándose principio y final.
Tanto el argumento como el planteamiento escénico constituye una simetría perfecta.

SIMETRÍA DEL PLANTEAMIENTO ESCÉNICO.

1.- Comienza la obra con las telas negras cubriendo la escenografía, compuesta por las mesas, sillas y módulos, a la izquierda, y y cubriendo también la estatua de la diosa Fortuna a la derecha.
2.- Se destapan las telas, se descubre el desván o sillas y trastos acumulados, se descubre la estatua de la diosa Fortuna, se llevan a cabo diversas mutaciones en periodo en que Timón es rico y dadivoso
3.- Finalmente, a mitad de obra, se cubre otra vez todo con telas negras simulando nuevamente las montañas.
Simetría argumental y simetría de puesta en escena.

MENSAJE MORAL

Desconozco la obra de Shakespeare, aunque me dice mi amiga Arantxa, 8la que me presentó el libro «Concierto para la mano izquierda» en la Feria del libro de Mérida en 2025), que ella sí la conoce y que le gustaba. Pero, como en toda obra que se remonta a tiempos de la Grecia clásica, el argumento es muy simple en términos de mensaje moral. El dinero no se come y quien deposita sus esperanzas en el dinero, fracasa. Un mensaje muy elemental y compartido por todos. (Sobre todo compartido por los pobres, que así alivian un poco el resentimiento por no haber conseguido ser ricos). El mensaje es simple y aunque muestra como Timón pretende hacer amigos, regalando su fortuna y buscando así falsos aliados, lo que plantea no supone un conflicto para el espectador. Ninguna circunstancia que haga dudar de esta gran verdad.

EL DEFECTO ENDÉMICO DEL TEATRO ANTIGUO.

Timón no se encuentra entre la espada y la pared, dudando de esta teoría. Y aunque hay presagios acerca de su ruina, tampoco hay sufrimiento ni ideas contrapuestas. Quiero decir que los personajes deben plantear una dicotomía que haga dudar incluso al espectador que lo está viendo. Porque partir directamente de una verdad absoluta y desarrollarla sin contradicciones, en línea recta hacia el objetivo, un objetivo claro, donde el avaro es malo, el dinero es malo, y las amistades falsas sin que haya ningún acontecimiento durante el desarrollo argumental que contradiga esta idea puede hacer pesada la obra. Y de hecho la hace pesada. No hay contradicciones, sino confirmaciones.

Todo lo que le sucede a Timón es lógico y esperable. Es tan dadivoso que se arruinan, sus amigos le abandonan tal como el filósofo le advirtió y eso le lleva a odiar a la humanidad. Todo camina en línea recta sin que un acontecimiento nos haga dudar de esta verdad tan absoluta
Pero repito que dudo mucho que sea la versión de Joaquín Hinojosa la que encierre en sí misma este defecto. Las obras griegas no contemplaban la contradicción como hoy se hace en cuestiones argumentales. No pretendían hacer dudar al espectador de verdades absolutas sino adoctrinarle en ellas, convirtiendo el escenario en una lucha de buenos y de malos. Un defecto endémico del teatro antiguo.

LA VERSIÓN DE JOAQUÍN HINOJOSA DE TIMÓN DE ATENAS.

La versión de Joaquín Hinojosa de Timón de Atenas y la dirección de Hernán Gené dinamiza este argumento previsible con dos estrategias extra narrativas. (Aunque los recursos teatrales en realidad pertenecen a la narrativa).
Una de ellas es el contraste entre personajes que en parte también es virtud «shaekespeariniana» o teatro de hace dos mil años. (Repito que no conozco la obra.
Los cambios continuos de disfraz convirtiendo a los actores en diversos personajes: el filósofo, el senador, las prostitutas, la joyera, la pintora, el poeta, Alcibiades, el general, el criado que se casa con la dote que le da a Timón de Atenas, el ladrón encarcelado… todos ellos aparecen y desaparecen, creando un caleidoscópico muy entretenido, barajando una variedad muy bien perfilada de caracteres.

La segunda estrategia o recurso es la inmensa, inmensísima calidad tanto en la dirección escénica como en la dirección artística.
La dirección artística es la que se ocupa de los gestos y movimientos de cada uno de los actores y la dirección escénica es se ocupa de la posición de estos personajes sobre las tablas. Y la forma de concebir la presentación de la obra.

DIRECCIÓN ESCÉNICA.

Actores que esperan a la vista del público y se disfrazan en el escenario, aparte de la visualidad sorprendente ya explicada de las telas simulando montañas, agrestes o de los objetos acumulados simulando una casa surrealista del rico timón de Atenas.

ANACRONISMOS

El movimiento de los personajes realizando mutaciones a la vista con música ochentera que incluye, como no podía ser de otra forma (que expresión más horrible y periodística «como no podía ser de otra forma» el «Money, money» de Lisa Minelli, de «Cabaret», el «Material Girl» de Madonna o. Diamonds Are a Girl’s Best Friend» de Marilyn Monroe de la peli «Los caballeros las prefieren rubias». Referencias musicales al dinero, inevitables, que se agradecen y refrescan la propuesta.
Por descontado, otros anacronismos (La aparición de periodistas a modo de entrevistas anunciando en televisión la ruina de timón de Atenas, los disparos y bombas de aviones en la Grecia de hace 2000 años…) que también la refrescan y bailes desenfadados mientras se produce el cambio de escenario todo ello pertenece a la dirección escénica, con ideas minimalistas e ingeniosas, como es obligado en el teatro de hoy en día.
Y movimiento escénico. ¿Recuerdan lo que les dije de que estuvieran atentos a cómo los personajes se suben a alturas para movilizar la escena? La montaña detrás y utilería grande, mesa sillas y módulos, no solo se usa para configurar y fingir la montaña, sino para que los actores se suban amasijo de trastos y hablen desde arriba

DIRECCIÓN ARTÍSTICA EN TIMÓN DE ATENAS.

Pero si algo destaca por encima de todo es la excelente, excelentísima y generalísima «dirección de actores», con cambios de registro, modulaciones en la voz, una gestualidad pensada al milímetro, con llamadas de atención visuales que despiertan nuestro sentido estético a cada reacción de cada uno de los actores. Sería injusto nombrar a uno sobre los demás. Todos están fabulosos. Por desgracia, no recuerdo el nombre o no sé distinguir quién es quién, porque una cosa es el retrato en los ahorcados de la propaganda y otra muy diferente ese actor o actriz convertido en el personaje y disfrazado. No querría saltarme a ninguno, todos están bien las actrices Esther Acevedo, Pepa Zaragoza y Beatriz Melgares en sus papeles. Pero me llamó la atención el sorprendente Tomás Pozzi y, sobre todo, Pepe Viyuela.

PEPE VIYUELA

Pepe Viyuela hoy día es uno de los grandes de la escena española muchas veces insuperable en su capacidad de adaptación, huyendo de clichés actorales, «tonitos» que le convertirían en un actor de carácter no hace siempre lo mismo. Cada personaje que interpreta es diferente, adaptándose al perfil del mismo Y aunque podría explotar recursos humorísticos, sobre todo el que le hizo famoso en su día, cuando hacía aquello de la escalera, ¡joé, joé! , etcétera, huye de aquel recurso que le atrapaba y demuestra que es algo diferente. Nadie se acuerda, cuando ve Timón de Atenas, de aquel cómico del sketch de la escalera y podemos disfrutar en él de otras perspectivas actorales: riqueza de matices, riqueza de tonos e inflexiones y una gran capacidad física, actoral y gestual. Por parte de todos, pero sobre todo de Viyuela.
Va a ser complicado realizar una comparativa para que ustedes lo vean más claro. Pero recuerdo a aquella Isabel Ordaz en un drama el año pasado, “Las Troyanas”, donde representó a Hécuba y donde las inflexiones de voz eran de Isabel Ordaz y no del personaje.
En fin, que lo voy a dejar aquí porque no quiero cansarles. Una obra excelente que no deben perderse. Sobre todo si les gusta ver y apreciar el buen teatro.